孤独でドラマチックに生きた画家、フィンセント・ファン・ゴッホ。
今さら語るまでもないほど書籍化や映像化されています。

そんなゴッホですが、耳切事件やピストル自殺など強烈なエピソードが先行し過ぎているあまり、実際の人となりを見過ごしている方も多いのではないでしょうか。

この記事では、ゴッホの作品に触れながら、彼の短い生涯と人となりを辿ってみたいと思います。

また、ゴッホの他殺説を取り上げた映画「永遠の門 ゴッホの見た未来」についても紹介します。

ゴッホを演じるウィレム・デフォーのそっくりぶりは必見です！

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ゴッホの作品について

ここでは代表作の8作品を取り上げて解説します。

『馬鈴薯を食べる人びと』ヌエネン時代：1885年5月｜国立ヴァン・ゴッホ美術館

オランダ時代には暗い色調の絵が多く、ヌエネンで制作した『馬鈴薯を食べる人々』はこの時代の集大成と言えます。

この作品については、繰り返しテオに語っていることがあります。

この作品には農夫に対する理想化や感傷などはまったく存在しません。
ただ単に自然と戦う農夫の厳しい生活があるだけなのです。

『タンギー爺さん』パリ時代 ：1887～88年｜ロダン美術館

パリのタンギー爺さんの画材店は、当時の若い画家たちにとって、聖堂のような場所でした。

ゴッホもこの店の常連であり、タンギー爺さんとも親しく付き合いました。
タンギー爺さんもまたゴッホの人柄を愛し、ゴッホの埋葬にも立ちあっています。

背景に描かれているのは、葛飾北斎、歌川広重、渓斎英泉などの浮世絵です。
浮世絵からインスピレーションを受けるのは、この作品を描く直前でした。

『アルルの跳ね橋』アルル時代：1888年3月｜クレラー・ミュラー美術館

モチーフのラングロワ橋は、アルルからブークに流れる運河にかかっていました。
浮世絵の明確で簡潔な構図を求めたゴッホにとって、この跳ね橋は恰好のモチーフとなり、趣きの異なる5点が残されています。

特に、この作品については、歌川広重の「大はしあたけの夕立」に影響を受けたことが指摘されています。

『ひまわり』アルル時代：1888年｜ファン・ゴッホ美術館

ゴッホは全部で7点の『ひまわり』を制作しています。
アルル周辺では、油を取るために数多くのひまわりが栽培されており、ゴッホにとって身近なモチーフであったと言えます。

光を描こうとしたゴッホにとって「ひまわり」は太陽の象徴であり、ゴッホそのものであったのでしょう。
ゴーギャンもゴッホの『ひまわり』を好み、「これこそ花だ」と言ったそうです。

『カンヴァスの前の自画像』パリ時代：1888年｜ファン・ゴッホ美術館

ゴッホのように執拗に自画像を描き続けた画家も珍しいのではないでしょうか。
その一因として、彼の性格や孤独な生活が影響していると言えます。

このパリ時代の自画像は、彼が点描的スタイルを消化したことをはっきりと示していますが、新印象派の冷静な審美的作品とは対照的と言えるほど熱っぽい。

『種まく人』アルル時代：1888年6月｜クレラー・ミュラー美術館

ゴッホは生涯を通じてミレーを敬愛しました。
その作品の模写も数多く行っています。

この作品もミレーの『種まく人』から発想を得ていますが、テオに宛てた手紙の中で「ミレーの『種まく人』は色を殺した灰色だ」と指摘している。

しかし、ゴッホの『種まく人』は色彩それ自体によって象徴的な言葉で語られ、ミレーとの個性の違いを明確に示しています。

『夜のカフェテラス』アルル時代：1888年9月｜ クレラー・ミュラー美術館

テオに宛てた手紙で「夜の情景や夜の効果を即座に描くこと、夜そのものを描くこと、僕はこの問題に夢中になっている」と書いています。

さらにこの作品について、「二番目のは、或るカフェの外側を描いたものだ。テラスの上は、青い夜の中で輝く大きなガス灯で照らし出されている。星の輝く青い空の一角が見える」と続けている。

彼は「まさしく夜そのもの」を作り上げたのです。

✅ ゴッホの作品は幾何学的に計算されているのではないかと思える構図が多い。
興味のある方は次のリンクをご参照ください。

構図法 「ゴッホ『夜のカフェテラス』の構図を解析してみる」

ゴッホの作品『夜のカフェテラス』に正方形の構図線と長方形の構図線を重ねてみると、驚くほど一致する線がたくさん見つかります。 色彩についても、当時の色彩論に基づいた選択がなされており、とても興味深い作品です。

tadao-sakamoto.com

『星月夜』サン＝レミ時代：1889年6月｜ニューヨーク近代美術館

1884年4月、テオに宛てた手紙の中でゴッホは、「それにまた、糸杉のある星の夜空か、あるいは熟れた麦畑のうえの星の夜を描かねばならない。ここには、実に美しい夜がある」と書いています。
その1年後、サン＝レミでこの課題を果たしました。

この作品は単なる視覚的効果を越え、ある種の神秘的な幻想性を湛えています。
表現主義的に描かれた空は画面の3分の2を占め 、光の渦のような星が煌めいている。

この空と地上を結ぶ役割を果たす前景の糸杉は、死の象徴とみなされています。

ゴッホの黄色

ゴッホの作品は黄色みを帯びて見えますが、それはいったい何故でしょうか。
諸説ありますが、その中の一つに視界が黄色みがかって見える「黄視症」ではなかったかという説があります。

これはゴッホがてんかんを罹患しており、その当時の治療薬としてジギタリスが処方されていたためではないかと主張する学者がいるからです。
「黄視症」はジギタリス中毒の教科書的な症状の一つだそうです。

しかし、弟「テオ」に宛てた手紙には「黄色が最も美しい」と書いているので、単に黄色が好きだっただけなのかもしれません。

ゴッホの生涯

ゴッホの誕生と生誕地

フィンセント・ファン・ゴッホは、1853年、オランダの片田舎で新教の牧師の長男として生まれました。

彼の生まれた村「フロート・ズンデルト」はベルギー国境に近く、人々は束の間の夏を除けば、陰鬱な雲に覆われた鉛色の世界で過ごしています。
ゴッホが後に訪れることになる、南仏「アルル」の光あふれる世界とは対照的です。

このことは、色彩画家ゴッホを知る上で重要なポイントになります。
もし彼が、北欧ではなく南欧に生まれていたとしたら、彼の天才性は開花していなかったかもしれないからです。

ゴッホの性格と勤労時代

中学校を卒業したゴッホは、伯父の口ききでグービール商会のハーグ支点に勤めます。
業種は画商ですが、これは将来絵を描くために選んだのではなく単なる偶然です。

風采が上がらず人と接触することも不器用で、セールスマンとしてゴッホは無能でした。

ゴッホは職を転々としていますが、いずれもうまくいきません。
不祥事を起こして解雇されたという具合ではなく解雇されているのです。

不器用で人とうまくコミュニケーションが取れず誰からも好かれません。
何度か恋もしますが、すべて片思いに終わってしまいます。

画家として

27才の時、ブリュッセルで美術学校に入学します。
この間の生活費は弟のテオの送金でまかなっていましたが、その送金も十分ではなくわずか1年でここを去ります。

耳切り事件

ゴーギャンとの共同生活は最初から危険を孕んでいました。
その生活はわずか２ヵ月で終わりを迎えてしまいます。

12月24日、ゴッホはゴーギャンに切りかかろうとして失敗し、自宅に戻った後自分の左耳を切り落としてお気に入りの娼婦ラシェルに届けるのです。

精神のバランスを失ったゴッホは病院に運ばれますが、翌1月に退院し２点の自画像を制作しています。
この作品はその内の1点です。

???? この絵は鏡に写った自分を描いているため、実際の状況とは逆になっています。
映画「永遠の門 ゴッホの見た未来」 の映像とは逆になっているので、映画を観る方は違和感を覚えるかもしれません。

生前に売れた唯一の作品 『赤い葡萄畑』

1889年の春、ゴッホは自らサン＝レミの精神科療養院に入院します。
発作と闘いながら、窓からの景色などを精力的に制作。

翌1990年、ブリュッセルの展覧会に出品した『赤い葡萄畑』が売れます。
価格は400フラン (現在の貨幣価値に換算すると30万円程度)でした。

この作品は現在、モスクワのプーシキン美術館に収蔵されています。

ゴッホの最後

1890年5月、ゴッホはサン＝レミを去りオーヴェールに移ります。
ガッシェ医師のもとで過ごし制作を続けます。

彼の創作活動はとどまることがなく、麦畑に魅かれていることを手紙で母親に知らせています。
「とても柔らかい黄色と、とても薄い緑と、とても静かなモーヴ色をしており…」と。

しかし、絶筆となった『鳥のいる麦畑』はその手紙の内容とはまるで別の様相を示している。

1890年7月27日、彼の描いた麦畑でピストルを取り出すのです。
ゴッホは腹部に出血しながらも一旦自宅に戻ります。

しばらく容体は安定してはいましたが、2日後の7月29日、ゴッホは帰らぬ人となりました。
37才でした。

ゴッホの他殺説

ゴッホは麦畑でピストル自殺をしたというのが定説となっていますが、いくつか不可解な点があるとも言われています。

ピストルはどこで手に入れたのか

2019年6月19日、 パリの競売会社ドゥルオはゴッホが自殺に使ったとみられるピストルが、16万2500ユーロ(約2千万円)で落札されたと発表しました。

「芸術史上最も有名な武器」とも言われるこのピストルは、ゴッホがパリ北方の村に滞在していた宿屋から借り、自らを撃つのに使ったとみられています。

ゴッホの死から約70年後、現場付近で発見されると、同じ宿屋を営む親族に引き渡されました。
銃の口径と医師の診断書に残された銃弾は一致しているという。

貫通しなかった銃弾

自殺しようと至近距離から放たれた銃弾は、 貫通せず左腹部の肋骨あたりで止まっていました。

これは、ある程度離れたところから撃たれたと考えられるのです。

少年たちによる誤発砲

ゴッホは十代の少年たちから、手ひどいイタズラを受けていたことが目撃されています。
コーヒーに塩を入れられたり、絵の具箱にヘビを入れられたりなどです。

その少年たちが悪ふざけをして撃った弾が、ゴッホに当たってしまったという説があります。

当時、パリ万博の影響で一大西部劇ブームが巻き起こっており、その少年たちもカウボーイの姿に拳銃まで持っていました。

ゴッホはその格好をした少年をスケッチしています。

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ポチップ

✅ この説に興味のある方は、この本の「フィンセントの致命傷に関する注釈」をご覧ください。

映画「永遠の門 ゴッホの見た未来」

あらすじ

パリでは全く評価されないゴッホ(ウィレム・デフォー)は、ゴーギャンの一言で南フランスのアルルにやって来ます。
黄色い部屋を借り、ゴーギャン(オスカー・アイザック)との共同生活を始めるも長くは続きません。
地元の人たちとの問題も絶えることがありません。

孤独を抱えるゴッホを支えたのは描く情熱だけでした。
やがて「未来の人々のために、神は私を画家にした」との境地に至ります。

そんな彼の瞳に最期に映し出されたものとはいったい何だったのか…。

2018年｜イギリス
再生時間：1時間51分

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キャスト / スタッフ

～キャスト～
フィンセント・ファン・ゴッホ
ウィレム・デフォー

テオ・ファン・ゴッホ
ルパート・フレンド

聖職者
マッツ・ミケルセン

ポール・ガシェ医師
マチュー・アマルリック

ジヌー夫人
エマニュエル・セニエ

教師
アンヌ・コンシニ

ポール・ゴーギャン
オスカー・アイザック

～監督～
ジュリアン・シュナーベル

～音楽～
タチアナ・リソヴスカヤ

～脚本～
ジャン＝クロード・カリエール
ジュリアン・シュナーベル
ルイーズ・クーゲルベルク

～製作～
ジョン・キリク

映画「永遠の門 ゴッホの見た未来 」 を見終わって

37才のゴッホを演じるのはウィレム・デフォー62才。
だからといってまったく不自然さはない…というよりゴッホそのもの。

耳切事件後に包帯を巻いた姿は、ゴッホ本人じゃないのっていうほどそっくり。

ゴッホの人生は非常にドラマチックで、そればかりが大きく取り上げられることが多いと思います。

しかし、この映画に見るゴッホは、冴えない風体で人付き合いも不器用。
ここに、ゴッホを語る上での本質があるのではないでしょうか。

心に残る台詞が随所にあり、ゴッホファンならずとも、見る価値は十分にある映画です。

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最後に

ゴッホは画家を志した27才から亡くなる37才までのわずか10年間で、油彩画860点を含む約2,000点の作品を残しました。

43歳で亡くなったフェルメールの現存作品数は35点程度なので、これは極めて多作といえます。

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後期印象派を代表する画家であり、近代絵画の父と呼ばれるセザンヌには根強いファンが多い。
しかし、彼の性格、生活環境、交友関係まで知る人が果たしてどれほどいるのでしょうか。

この記事では、セザンヌのそんな側面を、彼の作品や生涯に触れながら、探っていきたいと思います。

また、親友エミール・ゾラとの友情を描いた映画「セザンヌと過ごした時間」 を紹介します。
この映画はセザンヌの性格を知る上でも興味深く、セザンヌファンなら見逃せない一本です。

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近代絵画の父、セザンヌの作品

『白と黒の静物』1871～72年｜オルセー美術館

別名『錫の湯沸かしのある静物』というタイトルでもあり、初期の静物画を代表する作品の一つです。

盛り上げられた絵の具の筆触が、モチーフの立体感や質感の表現に不可欠なものとなっています。

『果物籠のある静物』1890年｜オルセー美術館

壺は上から見たように描かれ、籠は横から見たように描かれているなど、複数の視点が見られます。
視点を固定した透視図法的な見方をするという大前提は崩れました。

この考え方は、後のキュビスムに受け継がれていきます。
セザンヌが「近代絵画の父」と呼ばれる理由はここにあります。

『水浴図』1898～1905年｜フィラデルフィア美術館

晩年の7年間を費やして制作されたこの作品は、1905年のサロン・ドートンヌに出品され、若い画家たちに強く印象づけました。

『赤いチョッキの少年』1880～90年｜ビュルレ・コレクション

この絵はいったいどうなっているのか、わかりにくい部分が多い。
『赤いチョッキの少年』の油彩には4点の連作があり、それらを見ると人物と周りとの関係が理解できます。

『赤いチョッキの少年』1880～90年｜ニューヨーク近代美術館

ニューヨーク近代美術館所蔵の作品を見ると、この少年が茶色いズボンを履き椅子に座っていて、しかもその座面は白と青のストライプ。

ビュルレ・コレクションで一見ベッドのように水平な面にも見える背景の白い部分は、この作品で壁のような垂直面だとわかります。

『赤いチョッキの少年』1880～90年｜バーンズ・コレクション

背景は単なる壁でしょうか。
だとすると、頭を横切る茶色い横線は長押なげしと言えそうです。

ただ、これはビュルレ・コレクションの作品では、人物の右腕側でへの字に曲がっているので、ソファの背のようにも見えますが断定はできません。

『サント＝ヴィクトワール山』1904年｜フィラデルフィア美術館

生涯の終わりに向かって、セザンヌの絵画は熱情的で自由奔放になっていきました。

透明な絵の具を含む筆触は、立体の面を暗示するとともに、入り混じる量塊を表す造形的な単位となっています。

近代絵画の父、セザンヌの言葉 「自然を円筒形と球形と円錐形によって扱う」

セザンヌの言葉でも特に有名な一節「自然を円筒形と球形と円錐形によって扱う」は、後のキュビスムの画家たちが大切にし、新しい造形の基盤としたという事実があります。

ここに着目するとセザンヌが切り拓いた造形は、反自然主義的だと誤解されなくもないのですが、実はそうではありません。

この言葉は、ベルナールに宛てた手紙の中で…

…と続いています。

つまり、セザンヌは自然が持つ広大な奥行きを遵守しているということになります。
この一節をキュビスムの画家たちが無視したことで、セザンヌの哲学に誤解を与えているのです。

近代絵画の父、セザンヌの生涯

セザンヌ生誕とセザンヌ家について

ポール・セザンヌは1839年南フランスのエクス＝アン＝プロヴァンスに生まれました。

父のルイ＝オーギュストは帽子屋を経営しており、大変繁盛していました。
彼が40才の頃に関係を持った女性店員がポールの母となります。

ルイ＝オーギュストは、より利幅の大きいビジネスを知り帽子屋をやめると、銀行を手に入れて巨万の富を得ます。
しかし、階級差に厳しいフランスでは、セザンヌ家は上流階級に受け入れられなかったのです。
また下層階級の人たちも別の意味で避けるようになり、セザンヌ家は社会から疎外された存在となってしまいます。

気難しいポールの性格は、村八分となってしまったセザンヌ家の家庭環境によるものではないか、という人もいるくらいです。
この気難しいポールを、ギヨーム・ガリエンヌが映画「セザンヌと過ごした時間」 の中で好演しています。これがまたセザンヌに似てるんですよねぇ。

親友 エミール・ゾラとの出会い

ポールはコレジ・ブルボン(高校程度の学校)に進み、ここで一学年上のエミール・ゾラと出会い親交を結びます。
当時は二人とも詩人に憧れていました。
ゾラによれば、詩はポールの方が上手かったらしい。

学業成績は二人とも優秀で、学年で二番でした。
ゾラは奨学金を受けていましたが、それでもゾラの家は大変貧しく、彼の母親は息子を連れてパリに去ります。

画家を志すセザンヌ

ポールは父親の意思で大学の法学部に進学するも、一学年の試験が終わると父親に「画家になりたい」と言い出します。
1861年、彼が22才のときでした。
父のルイ＝オーギュストは反対しますが、ポールは父を説得してパリに向かい旧友エミール・ゾラと再会します。

ポールには十分な仕送りがあったので、画塾に通い始め恵まれた学生生活を送っていました。
しかし、パリという大都会には馴染めず、一度郷里に帰り父の銀行に勤めています。

印象派の影響

二度目のパリ時代に、ポールはエミールと共に落選美術展に赴きます。
そこで彼は、ホイッスラー、ピサロ、ギョーマン、マネらの作品に強い感動を覚えるのです。

特にマネの『草上の昼食』には感銘を受けました。
それがきっかけとなって印象派の画家たちと出会います。
ギュメ、ピサロ、ギョーマン、ラトゥール、ドガ、ルノワール、モネ、シスレー、マネらです。

中でもマネは、このグループの指導者的存在でした。

セザンヌ(これより、「ポール」から「セザンヌ」と書きます)はマネの作品に感動しているにもかかわらず、ある種の拒否反応を示していました。
それはつまり、傷つきやすい自身の内面を守ろうとする行為でもあったのです。

セザンヌは印象派の画家たちと交流がありながら、印象派の画家たちの影響を受けませんでした。
この時代の彼は、性と女に対して荒々しい情熱と欲求不満をもっていました。

親しい人の肖像画を除けばこの種の作品が多く、それはセザンヌが色情的というのではなく、抑圧された感情がキャンバスにあふれ出ただけなのでしょう。

この時期に『ナポリの午後』という作品をサロンに出品し落選しています。

1872年、セザンヌが33才のとき、オルタンスとの間に長男ポールが誕生。
ピサロのいるオーヴェールで、彼の影響を受けながら制作を始めました。
抑圧された感情を描くのではなく、外の世界を描くことで自分の内面をキャンバスに忍ばせることを教えたのはピサロです。

この時期の代表作として『首吊りの家』があります。

サロン初入選と当時の私生活

その後、1879年にピサロの勧めを断って印象派展には出品せず、 サロンに出品しますが落選。
結局、彼がサロンに初入選するのは43才の時でした。

この入選は審査員であったギュメの強力な推薦があってのことです。
しかもセザンヌは彼の弟子ということになっていました。
もうほとんど裏口入選ですね(笑)。

1886年、ゾラの発表した『制作』にセザンヌは激怒します。
その主人公はセザンヌそのもので、才能がありながらも花開かず、20年も精進した末に首を吊ってしまうというストーリ―だったからです。

二人が激しく口論する場面は、映画「セザンヌと過ごした時間」 でも一つの見どころになっています。
本人に似た二人が喧嘩をしているのだから、まるでその場にいるような錯覚さえ覚えます。

これを機に２人の交友は完全に断たれてしまいます。
ゾラが亡くなるまでセザンヌは彼を許すことはありませんでした。

ゾラと絶好してほどなく、セザンヌはオルタンスと結婚します。
父のルイ＝オーギュストも亡くなり、 セザンヌは50才を前にしては莫大な遺産を相続します。

その頃、郷里にいた彼はまだ知りませんでしたが、彼の仕事は次第に有名になりつつあり、殊に若い画家たちから尊敬されていたのです。

初個展から近代絵画の父へ

1900年、フランス芸術100年展に出品します。
名声は高まって国外にもおよび、ベルリン国立美術館が作品を購入します。
これ以降、 アンデパンダン展、サロン・ドートンヌなど、積極的に作品を出品するようになります。

1906年、屋外で制作中に夕立に遭ったことが原因となり肺炎を発症しこの世を去ります。
67才でした。

映画「セザンヌと過ごした時間」あらすじ

学校でいじめを受けていたゾラを、セザンヌが助けたことをきっかけに、２人は友人になります。
境遇は違っても芸術家を志す2人ですが、先にパリに進出したゾラは小説家として成功を収める一方、同じくパリに出て画家を目指したセザンヌは、なかなか評価されないばかりか転落していきます。
そんな時、ゾラが発表した新作の小説『制作』により、40年にわたる2人の友情に亀裂が入ってしまうのだが…。

2016年｜フランス
再生時間：114分

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映画「セザンヌと過ごした時間」 キャスト / スタッフ

～キャスト～
エミール・ゾラ / ギヨーム・カネ
ポール・セザンヌ / ギヨーム・ガリエンヌ
アレクサンドリーヌ・ゾラ / アリス・ポル
オルタンス・セザンヌ / デボラ・フランソワ
アンヌ＝エリザベート・セザンヌ / サビーヌ・アゼマ
ルイ＝オーギュスト・セザンヌ / ジェラール・メラン
エミリー・ゾラ / イザベル・カンドリエ
ジャンヌ / フレイア・メイヴァー
アンブロワーズ・ヴォラール / ロラン・ストケル
ピエール・イヴォン
ニコラ・ゴブ
ユーゴ・フェルナンデス
ルシアン・ベルヴェス

～スタッフ～
監督 / ダニエル・トンプソン
音楽 / エリック・ヌヴー
脚本 / ダニエル・トンプソン
製作 / アルベール・コスキ

「セザンヌと過ごした時間」を見終わって

晩年は若い世代の画家たちから支持され、美術界からも高い評価を受けるセザンヌですが、そうした場面はほとんど描かれていないので、どちらかと言えば、この映画のセザンヌはあまり良い印象ではありません。

なので…

セザンヌファンならば、セザンヌの人となりに注目して観るのがいいと思います。

映像も美しく、セザンヌが見たエクス＝アン＝プロヴァンスの風景を、彼の絵画そのままに映し出しているようでした。

セザンヌが好きだという方にはぜひお勧めしたい映画です。

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最後に

はっきり言うと、セザンヌは絵が下手でした。
当然、時代と社会はセザンヌを拒否し、親や友人も期待するはずもありません。
一部の批評家や若い画家たちに認められるのは、セザンヌが50才を過ぎてからです。

この間、セザンヌは唇を噛み締めて自分の表現を模索し続け、晩年になって19世紀と20世紀を結ぶ役割を果たすのです。

ピカソからは「我々の父」、マチスからは「絵の神様」と呼ばれました。

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西洋絵画の歴史に連なる大山脈は、とてつもなく巨大で奥深く、アルプス連山の比ではありません。

その中でも、特に鋭く際立った峰はどこになるでしょうか。

いくつか考えられると思いますし、人によっても捉え方が変わるかもしれません。

この記事では、西洋美術史で著名な芸術家を挙げて、簡単に西洋美術の流れを見ていきたいと思います。

レオナルド・ダ・ヴィンチ

ルネサンスの巨匠、レオナルド・ダ・ヴィンチは、世界一有名な油絵「モナ・リザ」の作者です。

レオナルドの峰が際立って高いのは、天才的な才能と品格にあります。

このレオナルド以降、画家を志す者は、写実の描写力を極める必要がありました。
簡単に言えば、上手くなければ画家として、認められなかったのです。

絵画教室で言うならば、技術習得の時代です。

???? 透視図法が発明されたのもこの時代です。

ポール・セザンヌ

セザンヌは後期印象派に属する画家です。
彼が日の目を見るのは50才を過ぎてからですが、19世紀と20世紀を結ぶ役割を果たした偉大な画家です。

この時代の特筆すべき点は、色彩学が発達したことと、チューブ入りの絵の具が発明されたことです。

これらの要因が印象派の画家たちに多大な影響を与え、色彩が絵画の主役に躍り出ることになります。

セザンヌは印象派の編み出した色彩には注目していましたが、曖昧な形は気に入りませんでした。
しかし、彼にはレオナルドのような描写力はありません。

???? この技術面の拙さが当時の軽蔑の的であり、後の賞賛の的でもあるのです。

この考え方は、後のピカソ、ブラックの「キュビズム」に受け継がれていきます。

つまり、現代美術への入り口を切り開いたということです。

絵画教室では、創造する力を養う時代と言えるでしょうか。

✅ セザンヌについての作品や生涯については、次のリンクで詳しく紹介していますので、興味のある方はご覧ください。

彼と親交の深かったエミール・ゾラとの友情をテーマにした映画「セザンヌと過ごした時間」も紹介しています。 ギヨーム・ガリエンヌが演じるセザンヌと、ゾラを演じるギヨーム・カネの二人の俳優は、どことなく本人に似ていて見入ってしまうほどです。

セザンヌファン必見の映画だと思います。

映画「セザンヌと過ごした時間」‥近代絵画の父の生涯と作品

後期印象派の巨匠セザンヌはどんな人だったのか。彼の生涯と作品から彼の人となりを探ってみました。 また、彼の性格を知る上でも興味深い映画「セザンヌと過ごした時間」についても紹介しています。

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マルセル・デュシャン

1916年、スイスのチューリッヒに集まった芸術家たちが、短命で過激なダダイズム運動を起こします。

同じ頃、ニューヨークでも、マルセル・デュシャンを始めとする芸術家たちによって、似たグループが結成されます。

余談ですが、ウルトラ怪獣のダダ星人は、このダダイズムに由来しています

日常どこにでもあるようなガラクタを素材とし、ダダイズム運動は盛んになっていきます。

千利休もガラクタに高値をつけて商売していたようですが、利休にしても、デュシャンにしてもプレゼン力はなかなかのものです。

デュシャンが発表した「泉」はレディメイドとして、現代美術にまでつながっていきます。

この「泉」、男性小便器にサインしただけなのです。

素材としてではなく、既製品そのものに芸術的価値を与えてしまったことに、彼の偉大さがあります。
既知の物を未知の物として、視覚の革新を行ったのです。

しかし、絵画教室では厄介者です。

「やるな」ということはやり、「やりなさい」と指導することはやらないのですから。

最後に

西洋美術史を、3人の芸術家と絵画教室になぞらえて、簡単にまとめてみました。
的を外さず、超簡単と言える程かと言われれば、疑問は残ります。

もう少し幅を広げて書けばよかったのかもしれませんが、今回は初心者にも分かりやすいということを意識して書きました。

遠近法、色彩、人体、構図などの講座ブログは、「絵画講座 / インデックス」として、まとめてありますので、ご活用いただければ幸いです。

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「再生、復興」を意味するルネサンスは、ジョルジョ・ヴァザーリが1555年に発表した「美術家列伝」の中で用いた「rinascita(再生)」という言葉が、19世紀にジュール・ミシュレによってフランス語化されたものです。

イタリアン・ルネサンス

建築では消失点の発見者、フィリッポ・ブルネレスキによる「サンタ・マリア・デル・フィオーレ大聖堂」の大ドーム、絵画ではジョット・ディ・ボンド―ネ「スクロヴェーニ礼拝堂」のフレスコ画、「聖母マリアとキリストの生涯」などがその始まりだと考えられています。

その後、彫刻ではドナテルロ、絵画ではボッティチェッリ、フランチェスカらが、科学的精神に基づく写実的表現を追求しました。

線遠近法や空気遠近法が発明されたのもこの時期です。

また、人体解剖や、明暗対比による人体の立体的表現が追求されています。

これら15世紀中頃の芸術家の活動を、初期ルネサンスと呼びます。

15世紀後半から16世紀前半に入ると、レオナルド・ダ・ヴィンチ、ミケランジェロ・ブオナローティ、ラファエロ・サンティらの三大巨匠によって、この写実主義は一層高められます。

その代表作として、レオナルドの「最後の晩餐」、ミケランジェロによるシスティーナ礼拝堂の「天地創造」、ラファエロの「アテナイの学堂」があります。

この時期を、盛期ルネサンスと呼びます。

16世紀には、ティッツィアーノ・ヴェチェッリの「聖母の被昇天」や、パオロ・ヴェロネーゼの「レヴィ家の饗宴」などの油彩作品が、ルネサンス絵画を華麗に彩りました。

北方ルネサンス

イタリアでルネサンスが興ったころ、アルプス以北では画家のファン・エイク兄弟が、「ゲントの祭壇画」、ヒエロニムス・ボスが「快楽の園」などを発表し、独自の中世芸術を完成していました。

特にヤン・ファン・エイクによる「アルノルフィーニ夫妻の肖像」は、二次元の世界に三次元の空間を表すという革新をもたらしました。

油彩技法の完成は、彼ら兄弟によるものと言われています。

15世紀末になると、デューラーを始めとして、画家や建築家たちがイタリアに訪れるようになり、両者の交流は盛んになっていきます。

イタリアで興ったルネサンスは、16世紀になるとフランドルを中心に北ヨーロッパに広まり、北方ルネサンスは開花するのです。

ドイツでは、アルブレヒト・デューラーを始めとして、ルーカス・クラナッハ、ハンス・ホルバインらの画家たちが現れドイツ・ルネサンスという時代を迎えます。

なかでもデューラーは、北方ルネサンス最大の画家といわれました。

イタリアの画家の影響を受けながらも、独自の表現を確立し、「アダムとエヴァ」、「野うさぎ」、写実に劣らない緻密さで表した銅版画など、多数の傑作を残しています。

銅版画の作品には、「騎士と死と悪魔」、「書斎の聖ヒエロニムス」などがあります。

同時代のグリューネヴァルトは「イーゼンハイム祭壇画」を制作。

さらに、クラナッハの描く「アダムとイヴ」や「ヴィーナス」の裸婦像は、イタリアのジョルジョーネやティツィアーノの裸婦像とは異なる人間的なリアリティがあります。

後期ルネサンス 「マニエリスム」

マニエリスムは、盛期ルネサンスから、バロックへの移行期に当たり、イタリア語のマニエラ (Maniera)に由来します。

マニエラは、中世の騎士道における作法です。

作法は完璧で美しい動作を生み出しますが、時に退屈でマンネリなものとなります。

マニエリスムにもこの両面があるのです。

つまり、自然に倣うという考えではなく、巨匠たちの様式(マニエラ)を規範とする否定的な見方と、芸術の目的は自然の再現ではなく、もっと高度に知的な作業であるとするという肯定的な見方です。

芸術の目的はイデアを表すことだと考え、そこに到達した巨匠から技を学ぼうとした、とする後者の見方が現在の主流です。

イデアとは、目に見えるものの奥にある、見えない心理のことです。

マニエリスムの特徴として、極端に引き伸ばされた人体、歪んだ構図、強い色彩などが挙げられるでしょう。

これは、巨匠たちの作品を規範とし、様式化、誇張することが理想とされたことによります。

特に、ミケランジェロによる「最後の審判」は、当時の画家たちに多大な影響を与えました。

この時代の画家に、ポントルモ、ブロンズィーノ、エル・グレコ、アルチンボルドらがいます。

最後に

透視図法を発見し発展させたのはルネサンスの芸術家ですが、その後さらに発展させるのは数学者です。

当時の透視図法は一点透視図法しかなく、今日の体系化された透視図法が確立されたのは、18世紀中頃だと言われています。

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絵が好きな人なら、印象派という言葉はよく耳にすると思います。

しかし、ここに挙げる三つの印象派、「印象派」、「新印象派」、「後期印象派」について、その違いを理解できているでしょうか。

確認しておきたいと思います。

印象派

この名前は、第一回印象派展で、モネの作品「印象・日の出」を揶揄した批評家が、彼らを「印象派」と呼んだことに由来する造語です。

印象派の絵画運動は、西洋絵画の伝統である遠近法と固有色の否定という革命的なものでした。

出発はクールベやコローらの写実主義ですから、戸外の風景を見た通りに描いていましたが、やがて光の影響を受けて変化する色彩の「うつろい」に気が付き、それを描くようになります。

この「うつろい」を表すために生み出された技法が「分割筆触」です。

「分割筆触」は、固有色をいったん原色に分解し並置することです。

たとえば、〈紫〉なら〈赤〉と〈青〉に分けられます。この二色を交互に並べることで、離れた時に視覚混合的に〈紫〉に見えるというものです。

色の「うつろい」を描くことは、それまで西洋絵画が守ってきた「固有色」の否定です。

その高みを求めた印象派の画家たちは、色彩科学者のシュブルールの「色彩の同時対比の法則」に触発されます。

色の見え方‥「同時対比」と「明るさの恒常性」と「プルキニエ現象」

シュブルールの『色彩の同時対比の法則』、「明るさの恒常性」、「プルキニエ現象」について説明しています。

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絵の具を混ぜるのではなく、画面に色を並置(並置加法混色)することによって、明るさの純度を保とうとしたのです。

つまり、減法混色ではなく、加法混色を実践しました。

減法混色と加法混色と色の作り方

減法混色と3つの加法混色に併せて、色の作り方を説明しています。

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また、シュブルールは、「補色の関係にある色を対比させることで「明るさ」を生む」、と説いたことから、印象派の画家たちは影の色に補色を使いました。

モネは、「日傘をさす女」で、光の影を紫色で描いています。

印象派は光の変化を描くために、好んで外に出て風景を描いたために「外光派」、「戸外派」ともいわれます。

新印象派

「新印象派」と「印象派」…言葉は非常によく似ていますが、双方が目指したところは全く違います。

感性に基づいて筆を運んだ印象派に対し、新印象派は観賞者に与える効果を予測して、色や技法を使いました。

いわば、計算された表現なのです。

代表的な画家と言えばジョルジュ・スーラです。

彼は、シュブルールの「同時対比の法則」、ジェームズ・マクスウェルの「回転混色理論」、オグデン・ルードの「近代色彩理論」などから、頭の中で混色ができることを示しました。

彼の代表作「グランド・ジャット島の日曜日の午後」が第８回印象派展に出品されると、印象派の発展と絶賛されます。

これを見た評論家は、スーラとその仲間たちを「新印象派」と名付けるのです。

スーラは31歳の若さで亡くなりますが、この考え方はシニャックに受け継がれ、後期印象派やキュビスムに影響をあたえました。

後期印象派

印象派の影響を受けながら、そこから新たな展開を示した画家を指しており、特定の主義や様式のもとにカテゴライズされているわけではありません。

ポスト印象派は「印象派の後」という意味になりますが、日本で定着した感のある「後期印象派」という言葉は誤訳に近い。

セザンヌ

印象派が生み出した色彩には関心を示していましたが、構図と形が失われていることに疑問をもっていました。

対象を多視点で捉えようとし、また「自然を円筒・球・円錐で捉える」として、形の本質を追求したのです。

「サント・ヴィクトワール山」の連作は、その苦闘を示しています。

✅ セザンヌについての作品や生涯については、次のリンクで詳しく紹介していますので、興味のある方はご覧ください。

彼と親交の深かったエミール・ゾラとの友情をテーマにした映画「セザンヌと過ごした時間」も紹介しています。 ギヨーム・ガリエンヌが演じるセザンヌと、ゾラを演じるギヨーム・カネの二人の俳優は、どことなく本人に似ていて見入ってしまうほどです。
セザンヌファン必見の映画だと思います。

映画「セザンヌと過ごした時間」‥近代絵画の父の生涯と作品

後期印象派の巨匠セザンヌはどんな人だったのか。彼の生涯と作品から彼の人となりを探ってみました。 また、彼の性格を知る上でも興味深い映画「セザンヌと過ごした時間」についても紹介しています。

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ゴーギャン‥クロワゾニスム

第四回印象派展に出品するものの、印象派の曖昧な形態に反発し、日本の浮世絵に影響を受けた「クロワゾニスム」という、輪郭線を強調して平らな色面で構成する手法を採用しました。

「説教の後の幻想、あるいは天使と戦うヤコブ」はこの頃の作品です。

印象派の曖昧な形を受け入れることができなかったゴーギャンやベルナールによって始められますが、後に両者の間で創始者争いが起きています。

しかし、作品の質、量ともに圧倒的なゴーギャンが、この手法を様式にまで高めたことは言うまでもありません。

その後、南太平洋のタヒチに赴き、未開美術の中に絵画の方向性を見出し、はっきりした輪郭線、単純化した形、個性的な色彩が特徴の「総合主義」を生み出したのです。

代表作に「我々はどこから来たのか、我々は何者か、我々はどこへ行くのか」があります。

ゴーギャンを中心に活動した画家たちを「ポン・タヴェン派」と呼び、ゴーギャンに影響を受けた若い画家たちが結成したグループを「ナビ派」と呼びます。

(ポン・タヴェンはフランス西北部、ブルターニュ地方の村、ナビは預言者の意)

ゴッホ

印象派にとっての色彩は光や大気を表すものですが、ゴッホにとっての色彩は感情を表すためのものでした。

明るい光を求めて南フランスのアルルに移り、一時期はゴーギャンとも共同生活を送っています。

激しいタッチと色彩で、内面を生々しく伝える表現は、フォービスムや表現主義の画家たちに影響をあたえています。

代表作は「ひまわり」など。

✅ ゴッホについての詳細は以下の記事をご覧ください。

自殺か他殺か⁉ 映画「永遠の門 ゴッホの見た未来」に見る生涯と作品

ゴッホは本当に自殺だったのか⁉ ゴッホの作品と生涯に触れ、映画「永遠の門 ゴッホの見た未来」を紹介しています。

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本物と見分けがつかない精巧な贋作。
2011年、そんな作品が全米の多くの美術館で発見されました。

それらの贋作は、本人が描いたこと以外は、なんら本物と変わりはないのです。

しかし、それだけの理由で、無価値の作品として排除されてしまいます。

芸術の価値とはいったい何でしょうか。

そんなことを考えさせられる映画「美術館を手玉に取った男」は、絵を描く者にとっては非常に興味深い一本です。

この記事では、映画「美術館を手玉に取った男」と、著名な２つの贋作事件を紹介します。

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「美術館を手玉に取った男」あらすじ

「美術館を手玉に取った男」は、30年間に渡って名画の贋作を無償で美術館に寄贈し続けた贋作者、マーク・ランディスのドキュメンタリー映画です。

本来なら、途方もない金額で売ることができるはずの、精巧に作られた贋作。
その贋作を、マーク・ランディス自らが、神父などのキャラクターに扮して、全米46の美術館に寄贈し続けてきました。

そんな彼にも、ある転機が訪れます。

それはいったい…。

2014年｜アメリカ｜再生時間 89分

「美術館を手玉に取った男」見どころ

金儲けや才能の証明、権威を失墜させることにはまったく無関心の贋作者 、マーク・ランディス。
彼は30年間で全米20州、46の美術館を手玉に取りました。

寄贈された贋作は、100を超えます。

そんな彼の贋作制作の様子は、絵を描く者にとって大変興味深いものです。

この映画では、彼自身が実際に描いているところを見られます。

この映画は、マーク・ランディスだけでなく、彼の贋作を見破った美術館職員のマシュー・レイニンガーにも迫っています。
ランディスに執着し仕事を首になっても、彼を追い続け贋作制作をやめさせようとするレイニンガー。

贋作者、追跡する人、騙された人々が絡み合い、新たなテーマが浮かび上がってくるのです。

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善意？の贋作者 マーク・ランディス

マーク・オーガスタス・ランディスは1955年3月10日、バージニア州ノーフォークに生まれました。

17歳の頃、父親を亡くしたことにより精神疾患で苦しみ、治療を受けたカンザス州の病院で統合失調症と診断されます。

その治療の一環としてのアートセラピーが、彼の芸術的な才能を開花させることになります。

マーク・ランディスは全米の美術館に自ら制作した精巧な贋作を、慈善事業と称して全米中の美術館に無償で寄贈し続けました。

自分の作品を作るべきだとアドバイスする人もいましたが、彼にとっては贋作の方がずっと価値があったようです。

キャスト / 監督

出演
マーク・ランディス
マシュー・レイニンガー
アーロン・コーワン

監督
サム・カルマン
ジェニファー・グラウスマン

もう一つの贋作事件‥贋作者ハン・ファン・メ―ヘレン

フェルメールの贋作で20世紀最大の贋作事件を引き起こしたハン・ファン・メ―ヘレンをご存知でしょうか。
彼はフェルメールの贋作で巨万の富を得ていますが、その目的はお金ではなく復讐でした。

マーク・ランディスとは対照的です。

メ―ヘレンの贋作技術は、当時の専門家が誰一人贋作だと見抜けないほどの完成度を誇っていたにもかかわらず、バレてしまうのです。

いったい何故なのか…。

次の記事では、贋作者ハン・ファン・メ―ヘレンの生涯と、彼の伝記映画「ナチスの愛したフェルメール」について紹介しています。

興味のある方は次のリンクからご覧ください。

映画「ナチスの愛したフェルメール」と贋作者ハン・ファン・メ―ヘレン

フェルメールの贋作者、ハン・ファン・メ―ヘレンの生涯と、彼の伝記映画「ナチスの愛したフェルメール」を紹介しています。

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日本でも人気を誇るフェルメールですが、そのフェルメールを完璧に再現した人物がいました。
彼の名はハン・ファン・メ―ヘレン。

この記事では、20世紀最大の贋作事件を起こした彼の生涯と、その伝記映画「ナチスの愛したフェルメール」を紹介します。

映画「ナチスの愛したフェルメール」

メ―ヘレンの贋作は現存する名画をそっくりにコピーしたものではありません。
元の画家の画風を真似て、この世に存在しない全く別の作品として描き出された特殊な贋作なのです。

しかも、その完成度は当時の専門家が誰一人見抜けないほどでした。

その贋作の一点、フェルメールの作品として描れた「エマオの食事」は、今もメーヘレンの作としてオランダのボイマンス美術館に展示されています。

そんな彼の伝記映画、「ナチスの愛したフェルメール」をご存知でしょうか。

評論家には画家として独創性がないと酷評され苦悩するメ―ヘレンが、天才的な贋作者へと生まれ変わっていく姿を描く。
その独創的な贋作テクニックは必見！

後に二番目の妻となるヨーランカ (リズ・フェリン)の美しさも魅力的です。

2016年｜オランダ・ベルギー・ルクセンブルク｜16+
再生時間：1時間54分

U-NEXT に登録すれば、「ナチスの愛したフェルメール」を観ることができます。

ストーリー

1945年5月、ナチス・ドイツの高官にフェルメールの作品を売りとばした罪で逮捕される贋作者 ハン・ファン・ メ―ヘレン ( ユルン・スピッツエンベルハー)。
専門家の目を欺くほどの完成度を誇りながら、なぜ贋作だとバレてしまったのか…。

天才贋作者メ―ヘレンが、芸術と贋作の間で苦悩する姿を描いたミステリー。

映画「ナチスの愛したフェルメール」はこちらから

キャスト / スタッフ

～出演～
ハン・ファン・メーヘレン / ユルン・スピッツエンベルハー
ヨーランカ / リズ・フェリン
テオ / ルーラント・フェルンハウト

～監督～
ルドルフ・ヴァン・デン・ベルフ

～音楽～
アンドレ・ジェジュク

～脚本～
ユルン・スピッツエンベルハー
ヤン・エイランデル

映画「ナチスの愛したフェルメール」を見終わって

タイトルからメ―ヘレンとナチス・ドイツとの関わりが描かれているのか、と思ったがそうではなかった。
物語の軸は、彼がどうやってフェルメールの贋作を制作するようになったかに置かれています。

話の行ったり来たりが多すぎてわかりづらいかもしれません。
ただ、絵画の価値を問いかけることには成功していると思います。

フェルメール作なら価値があり、同じ作品がメーヘレンの作なら駄作と評価されてしまう。

この点については、 贋作者、マーク・ランディスを取り上げた映画、「美術館を手玉に取った男」にも同じことが言えます

あなたなら、メ―ヘレンの作品をどのように評価しますか。

ハン・ファン・メ―ヘレン について

ここから先はネタバレになるところもあるので、映画を楽しみたい方は読まない方がいいかもしれません。
ただ、この映画の場合、予備知識をもって観た方がわかりやすいと思います。

メ―ヘレンはなぜ贋作者になったのか

幼いころから画家を夢見ていたメ―ヘレンは、古典派の画家から絵を学びます。

しかし、父親は美術を勉強することに反対していました。

そのため、希望していた美大を諦め、デルフト工科大学の建築学科に進学します。

在学中に出品したコンクールで、金賞を獲得し自信を得た彼は、大学を辞めハーグ王立アカデミーに入学します。
ようやく、画家としての道が開けるのです。

その後の初個展は大成功を収めますが、時代の変化の中で、批評家たちから切り捨てられてしまいます。
さらに不倫の発覚、離婚、酒、ドラッグ…。
生活は荒んでいきました。

そんな頃、修復師を名乗る男から、古典絵画の修復の仕事を持ちかけられるのです。
修復というよりは、古い絵画に加筆修正するというような仕事でした。

彼の闘志は歪んだものでしたが、より完璧な贋作を目指し、フェルメールの作品に挑みます。

これが当時の専門家たちの目を見事に欺いたのです。

贋作者「ハン・ファン・メ―ヘレン」の誕生です。

ここからは彼の独壇場となり、フェルメールの贋作で莫大な富を手に入れます。

メ―ヘレンの作品は、なぜ贋作だとわかったのか

専門家たちの目を欺くほどの完成度にもかかわらず、なぜメ―ヘレンの作品は贋作だとわかったのでしょうか。

そのきっかけは、ナチス・ドイツにあります。
戦時中、彼はフェルメールの作品をドイツに売り渡したということで、オランダ陸軍から国家反逆罪に問われたのです。

潔白を証明するためには、もはや描いて見せるしかありませんでした。

これにより、専門家達も騙されていたことを認め、彼の罪は詐欺罪で禁固1年。

しかも、敵国ドイツを騙したということで、オランダ国民から英雄扱いを受けます。

これでようやく自分の絵が描けると思った矢先、服役中に心臓発作で亡くなります。

享年58歳でした。

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最後に

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